Sonnenuntergang mit Acryl malen – Schritt-für-Schritt
Heute schlage ich vor, gemeinsam eine wunderschöne Sonnenuntergangslandschaft mit Acryl zu malen. Dies ist eine ausgezeichnete Übung, um zu lernen, harmonische Farbverläufe im Himmel zu gestalten, mit warmen und kalten Farben zu spielen und Ihrem Landschaftsbild durch verschiedene Ebenen Tiefe zu verleihen. Außerdem werden wir sehen, wie man stimmungsvolle Dämmerungsreflexionen auf Vegetation und Boden hinzufügt.
DAS MATERIAL
- Acrylfarben (Basispalette: Phthaloblau, Ultramarin, Kadmiumgelb, Orange, Ocker, gebrannte Siena, Weiß)
- Papier oder Karton (400 g/m²) oder eine vorbereitete Leinwand
- Flache, mittelgroße Pinsel (Größe 6–12), feine Rundpinsel (0–4) sowie ein Fächerpinsel für Verblendungen
- Sauberes Wasser zum Verdünnen und Kontrollieren der Transparenz
- Palette und Schwamm für weiche Übergänge
- Tücher zum Reinigen der Pinsel
SONNENUNTERGÄNGE - BEISPIELE
Bevor wir starten, schlage ich vor, einige bemerkenswerte Gemälde zu betrachten.
Frederic Edwin Church, Zwielicht in der Wildnis (1860). Ein nützlicher Bezugspunkt für das Studium großer tonaler Übergänge und das Verständnis, wie ein leuchtender Kern die Atmosphäre des Sonnenuntergangs strukturieren kann.
Albert Bierstadt, Sonnenuntergang an der Küste (ca. 1870) - Analysieren Sie hier die Wechselwirkung zwischen tiefstehendem Sonnenlicht und natürlichen Oberflächen. Das Werk liefert Beispiele für warme Reflexionen auf dem Boden sowie für die Behandlung von Wolken in der Dämmerung.
EINEN SONNENUNTERGANG MIT ACRYLFARBEN MALEN - SCHRITT FÜR SCHRITT
Wir beginnen damit, die Horizontlinie mit einem dunklen Grün zu zeichnen, das Himmel und Boden voneinander trennt. Mit einem dunklen Blau legen wir die Konturen der Berge an, wobei wir einer fließenden und organischen Linienführung folgen, die die natürliche Form des Geländes respektiert.
Wir vermeiden starre Linien, um die Dynamik der Szene zu erhalten. Dieser Schritt hilft uns, die ersten Volumen festzulegen, die die Tiefe zwischen den verschiedenen Ebenen des Bildes definieren.
Anschließend beginnen wir, die Berge an den Rändern der Komposition zu malen, während das Zentrum frei bleibt, um dort das Hauptlicht zu platzieren. Dieser leere Raum ist entscheidend, um den Brennpunkt zu schaffen, an dem die warme Atmosphäre der Sonne die Szene dominiert.
Tragen Sie warme Ockertöne auf den Boden direkt unter den Bergen auf. Dieser anfängliche Kontrast zu den Blautönen im Hintergrund schafft eine Harmonie zwischen warmen und kalten Ebenen und bereitet den Übergang zu den Orange- und Rottönen der Sonne vor.
Fügen Sie unter dem Ocker einen braunen Farbton hinzu, um weniger beleuchtete Bereiche zu markieren. Ergänzen Sie diese Ebene mit einem intensiven Orange, um die vom Sonnenlicht getroffene Zone zu betonen.
Dieser Übergang bringt Wärme in die Komposition und verstärkt den Kontrast zu den kühlen Tönen des Himmels und der Berge. Hier beginnt das eigentliche Gleichgewicht zwischen Licht und Schatten.
Anschließend malen wir den unteren Bereich mit einem tiefen Braun, um das Gefühl von Nähe und Volumen im Vordergrund zu verstärken.
Verwenden Sie sauberes Wasser, um die Übergänge zwischen den Farben zu mildern und einen sanften Farbverlauf zu erzeugen. Falls nötig, tragen Sie zusätzliche Schichten derselben Farbtöne auf, um Intensität und Farbtiefe zu erhöhen.
Im Zentrum der Berge – in dem zuvor freigelassenen Bereich – tragen wir ein helles Gelb auf. Durch die Vermischung mit den umgebenden Blautönen entsteht ein grünlicher Farbton, der atmosphärisches Licht suggeriert und den Bereich mit der höchsten Lichtkonzentration definiert.
DEN HIMMEL MALEN
Beginnen Sie damit, den Himmel mit einem hellen Blauton zu malen und verwenden Sie dabei sanfte Pinselstriche für ein gleichmäßiges Finish. Leichte Variationen in der Intensität können zusätzliche Textur erzeugen.
Erweitern Sie die Farbe nach oben hin mit einem dunkleren Blau, um einen allmählichen Übergang in eine weniger beleuchtete Zone zu schaffen. Diese Variation verstärkt die atmosphärische Perspektive und lenkt den Blick zum leuchtenden Zentrum.
Nutzen Sie Wasser, um die Blautöne weich zu verblenden und einen gleichmäßigen Farbverlauf zu erzeugen, der das schwindende Tageslicht widerspiegelt.
Vertiefen Sie den oberen Bereich des Himmels mit einem intensiveren Blau, um den Eindruck eines zu Ende gehenden Tages zu verstärken.
In der zentralen Zone über den Bergen tragen Sie ein kräftiges Gelb auf, das den leuchtenden Kern der Sonne darstellt. Dieser starke Kontrast definiert klar den visuellen Mittelpunkt der Komposition.
KOLORIEREN
Fügen Sie dem Gelb orangene Töne hinzu, um die Sonnenscheibe und die ersten Wolken anzudeuten. Sanfte Übergänge zwischen diesen Farben verleihen Volumen und schaffen eine warme Atmosphäre, die typisch für einen lebendigen Sonnenuntergang ist.
Mit zarten Rosatönen definieren wir die Wolken in der Nähe der Sonne und bewahren dabei weiche Übergänge.
Anschließend fügen wir tiefe Violetttöne hinzu, um mehr Dramatik und tonale Vielfalt in die Wolkenformationen zu bringen. Die kühlen Töne kontrastieren mit den warmen Farben des Zentrums, verleihen der Szene Dreidimensionalität und verstärken den Tiefeneffekt.
Wir wenden lebendige rote Töne um die Sonne herum an, um das Gefühl von Wärme und Energie zu verstärken.
Wir arbeiten schnell, um die Farben zu vermischen, bevor sie trocknen, um ein natürlicheres malerisches Ergebnis und eine Harmonie zwischen Orangen, Gelb und Rosa zu erreichen.
Wir verstärken die Kontraste, indem wir dunklere Violett-Nuancen in strategischen Bereichen hinzufügen, um die Komposition auszugleichen.
Dies unterstreicht die Kraft der warmen Farben und erzeugt eine dramatische Wirkung, die an die schnellen Lichtwechsel realer Sonnenuntergänge erinnert.
Setzen Sie reines Weiß auf ausgewählte Bereiche der Wolken, um Lichtreflexe zu suggerieren. Ziehen Sie Gelb- und Orangetöne leicht in den Himmel hinein, damit sie sich mit den benachbarten Blautönen verbinden und die Atmosphäre vereinheitlichen.
Mit einer dunklen Farbe malen Sie die Silhouetten von Bäumen im Gegenlicht im Hintergrund. Diese Elemente durchbrechen die Einheitlichkeit der Szene und schaffen eine visuelle Skala. Darunter malen Sie das Feld in einem tiefen Grün, um die Hierarchie der Ebenen zu verstärken.
Arbeiten Sie den unteren Bereich mit dunklen Tönen aus und fügen Sie anschließend an einigen Stellen hellere Grüntöne hinzu, um beleuchtete Vegetation darzustellen.
Lassen Sie bewusst einige Flächen unbemalt, um das reflektierte Licht des Himmels zu nutzen und den Volumeneffekt zu verstärken.
Tragen Sie weitere Schichten aus hellem und warmem Grün auf, um dem Gelände mehr Textur und Tiefe zu verleihen. Kontrollierte Übergänge zwischen Licht und Schatten machen das Feld realistischer und balancieren den intensiven Himmel aus.
DIE LETZTEN DETAILS
Setzen Sie mit rötlich-orangen Farbtönen dezente Lichtreflexe auf Bäume und Vegetation, um das warme Licht der untergehenden Sonne widerzuspiegeln. Dieser Schritt sorgt für eine chromatische Kohärenz und verbindet alle Elemente der Landschaft.
Passen Sie die Lichter und Schatten im Himmel an, um das dramatische Gesamtbild zu verstärken. Tragen Sie Ocker- und Orangetöne auf das Feld auf, um beleuchtete Vegetation anzudeuten. Überarbeiten Sie die Sonne und justieren Sie ihre Intensität im Verhältnis zur restlichen Szene.
Fügen Sie nun feine Details in Bergen, Ebene und Wolken hinzu. Verwenden Sie dafür einen feinen Pinsel, um Texturen hervorzuheben und Licht- sowie Schattenbereiche zu präzisieren.
Diese Detailarbeit verleiht dem Bild zusätzliche Tiefe und Dynamik und sorgt dafür, dass alle Elemente mit der allgemeinen Lichtstimmung harmonieren.
Zum Schluss bringen wir letzte Akzente an Bäumen, Feld und Himmel an und vereinen alle Bestandteile zu einer stimmigen visuellen Erzählung. Im fertigen Werk kontrastieren die kühlen Töne von Bergen und Himmel harmonisch mit der vibrierenden Wärme des Horizonts. Die Atmosphäre fängt den genauen Moment ein, in dem das Tageslicht zu schwinden beginnt.
Unser Bild ist jetzt fertig! Ich hoffe, dass Ihnen dieses Tutorial gefallen hat.
Redakteur: Julio