¿Se necesita talento para dibujar?

Hola, hoy vamos a hablar de una pregunta que muchos se hacen, a menudo con un poco de aprensión: ¿se necesita talento para dibujar? Es una idea muy extendida: algunos habrían "nacido con el don del dibujo", mientras que otros estarán privados de él. Sin embargo, la realidad es muy diferente. El dibujo no es cuestión de un don misterioso, sino de perspectiva, práctica y sobre todo… de paciencia.

El mito del talento innato

Todos hemos escuchado alguna vez esta frase: "Yo no sé dibujar, no tengo talento."
Pero el talento, en el dibujo, no es una puerta mágica que se abre o se cierra al nacer. Es más bien una facilidad para observar, para entender las formas, los volúmenes, la luz... y eso, eso se desarrolla.

Los artistas que admiras hoy en día todos empezaron de alguna parte. La mayoría pasaron horas fallando, borrando, empezando de nuevo. No es el talento lo que marca la diferencia, sino el deseo de progresar. Finalmente, el dibujo funciona como todo, cuanto más lo practicas, más natural se vuelve. Parece obvio que ningún campeón olímpico nació sabiendo practicar perfectamente su deporte, entonces, ¿por qué sería diferente con el dibujo?

Tomemos mi propio ejemplo: nací en 1996, y como pueden ver, a los 10 años, estaba lejos de ser un prodigio en dibujo. Sin embargo, con práctica y trabajo, se terminan obteniendo resultados bastante convincentes. Ten en cuenta que durante todos estos años, no dibujé de manera constante. Por lo tanto, no necesariamente necesitarán una década para alcanzar un buen nivel.

Lo que realmente llamamos "talento"

Lo que muchos llaman talento, es a menudo el resultado de una experiencia acumulada.

Un artista experimentado parece dibujar “sin esfuerzo” porque ha observado tanto, intentado y corregido que algunos gestos se han vuelto instintivos. No es un don, es memoria visual y gestual.

Y luego, existen diferentes tipos de talento:

Algunos tienen una sensibilidad natural hacia las formas y el espacio.

Otros comprenden intuitivamente el color o la luz.

Otros aún tienen un sentido innato de la composición o del movimiento.

Pero incluso estas cualidades no sustituyen el entrenamiento. El dibujo es una disciplina donde todo se aprende: la perspectiva, las proporciones, el color, la línea.

Los dos dibujos a continuación fueron realizados por la misma persona, en el mismo período. Sin embargo, se puede notar claramente que los paisajes están más desarrollados en términos de resultado final. Esto es simplemente porque es su área de especialización. Lo mismo ocurre con todos los dibujantes, incluso los profesionales.

 

El papel de la práctica en el progreso del dibujo

Aprender a dibujar es un poco como aprender un idioma o un instrumento musical. Al principio, uno tantea. Busca sus referencias. Pero con el tiempo, los gestos se vuelven naturales.

El mayor secreto del dibujo es la observación. Cuanto más aprendes a mirar, mejor dibujas. Mirar no es solo ver una forma, sino entender su estructura, su luz, su ritmo. Es por eso que los ejercicios de observación, los estudios de bocetos, o incluso los dibujos rápidos son esenciales: entrenan tu cerebro para traducir lo que tus ojos perciben.

Pero hay otra clave a menudo subestimada: aprender lo básico. Muchos piensan que tomar clases limita la creatividad, cuando en realidad es todo lo contrario. Conocer los fundamentos (la perspectiva, las proporciones, las sombras, la composición, el color) otorga una verdadera libertad. Cuando estos conceptos se vuelven naturales, puedes luego modificarlos, simplificarlos o estilizarlos a tu manera.

Tomar clases también es beneficiarse de una perspectiva externa benevolente. Un profesor puede corregir tus automatismos, ayudarte a entender tus errores, y sobre todo, hacerte ahorrar tiempo. No está ahí para imponerte un estilo, sino para darte herramientas sólidas para que puedas expresar el tuyo.

Gracias a las correcciones que recibes al mostrar tu trabajo a otros, se vuelve mucho más fácil progresar rápidamente. Sin necesariamente aumentar tu nivel técnico, ya puedes obtener resultados mucho más armoniosos. Es el ejemplo del dibujo a continuación, que ha sido ampliamente mejorado simplemente gracias a comentarios y algunos ajustes.

La mirada sobre uno mismo

El verdadero obstáculo para el progreso no es la falta de talento, sino la mirada demasiado crítica que tenemos sobre nosotros mismos. Muchos abandonan porque comparan sus dibujos con los de artistas más avanzados. Sin embargo, cada boceto, incluso torpe, es una etapa necesaria.

Los artistas no publican sus ensayos fallidos, sus páginas tachadas o sus errores de proporción... pero tienen decenas de ellos. Aprender a dibujar también es aprender a aceptar la imperfección y disfrutar del camino recorrido.

Cuando realizamos el dibujo de la izquierda, puede parecernos muy logrado en el momento. Luego, con la práctica, avanzamos, afinamos nuestra mirada y logramos dibujos más bien como el de la derecha. Es entonces cuando nos damos cuenta del camino recorrido y del nivel que hemos alcanzado. Esto no significa que en el momento de su realización, el dibujo de la izquierda fuera un fracaso, simplemente correspondía a nuestro nivel de entonces, y es precisamente eso lo que hace que el progreso sea tan gratificante.

Más que el talento, es la curiosidad y el placer de crear lo que nutre a un artista.
El dibujo requiere regularidad, sí, pero sobre todo pasión. Lo que importa no es ser el mejor, es tener el deseo de entender, experimentar, expresar algo. El talento, si existe, es solo el punto de partida. Lo que cuenta es el camino que construyes después.

Entonces, ¿se necesita un don para dibujar bien?

Para concluir, no, no se necesita talento para dibujar. Se necesita paciencia, curiosidad, y sobre todo el valor de continuar, incluso cuando se duda. Cada trazo, cada boceto, cada error es parte del proceso. Y la parte más hermosa de este viaje es que nunca dejamos de aprender.

Redactora e ilustradora: Chloé Pouteau