Pintar un atarceder con acrílico

Hoy te propongo pintar juntos un magnífico atardecer en acrílico. Es un excelente ejercicio para aprender a crear hermosos degradados en el cielo, jugar con colores cálidos y fríos, y darle profundidad a tu paisaje mediante diferentes planos. También veremos cómo agregar bonitos reflejos crepusculares en la vegetación y el suelo.

El material necesario

Pinturas acrílicas (gama básica: azul ftalo, ultramar, amarillo cadmio, naranja, ocre, tierra de siena tostada, blanco).

Papel/cartón 400 g/m² o lienzo preparado.

Pinceles planos medianos (6–12), pinceles redondos finos (0–4) y pincel abanico para los difuminados.

Agua limpia para la dilución y el control de la transparencia; paleta y esponja para las transiciones; paños para la limpieza.

Algunos ejemplos antes de pintar

Antes de comenzar, les propongo descubrir algunos ejemplos de pinturas que merecen la pena.

Frederic Edwin Church, Twilight in the Wilderness (1860). Una referencia útil para estudiar las transiciones tonales a gran escala y entender cómo un núcleo luminoso puede estructurar la atmósfera del atardecer.

Albert Bierstadt, Atardecer en la costa (h.1870) - Analiza la interacción entre la luz solar baja y las superficies naturales; da ejemplos de reflejos cálidos en el suelo y de tratamiento de las nubes al crepúsculo.

Pintar un atardecer con acrílicos paso a paso

Empezamos trazando la línea del horizonte con un verde oscuro, separando el cielo del suelo. Con un azul oscuro, dibujamos el contorno de las montañas siguiendo un trazo fluido y orgánico que respeta la forma natural del relieve.

Evitamos las líneas rígidas para mantener el dinamismo. Esta etapa permite establecer las primeras masas que definirán la profundidad entre los diferentes planos de la obra.

Luego procedemos a pintar las montañas en los extremos de la composición, dejando el centro libre para colocar la luz principal. Este espacio vacío será esencial para construir el punto focal, donde la atmósfera cálida del sol dominará la escena.

Aplique tonos ocres cálidos en el terreno, justo debajo de las montañas. Este contraste inicial con los azules del fondo crea una armonía entre los planos cálidos y fríos, preparando la transición hacia los naranjas y rojos del sol.

Añade un tono marrón debajo del ocre para marcar las zonas menos iluminadas. Completa la llanura con un naranja intenso para resaltar el área iluminada por el sol.

Esta transición aporta calidez a la composición y refuerza el contraste con los tonos fríos del cielo y de las montañas. Aquí es donde comienza el verdadero equilibrio entre luz y sombra.

Luego venimos a pintar la zona inferior con un marrón profundo para reforzar la sensación de proximidad y de volumen en el primer plano.

Utiliza agua limpia para suavizar las transiciones entre los diferentes colores, creando un fundido progresivo que enriquece la transición cromática. Si es necesario, añade capas adicionales de los mismos tonos para reforzar la intensidad y la consistencia de los colores.

En el centro de las montañas, en el área que habíamos dejado sin pintar, aplicamos un amarillo brillante.

Al mezclarse con los azules circundantes, este color crea un tono verdoso que evoca una luz atmosférica y define la zona de mayor concentración de luz en la composición.

Pintar el cielo

Comienza a pintar el cielo con un azul claro, aplicando pasadas suaves para obtener un acabado limpio. Puedes añadir ligeras variaciones de intensidad para agregar textura.

Extiende la pintura hacia arriba utilizando un azul más oscuro, creando así una transición gradual hacia una zona menos iluminada. Esta variación acentúa la perspectiva atmosférica y atrae la mirada hacia el centro luminoso.

Utiliza agua para obtener semitonos de azul y crear un degradado uniforme que evoque la luz declinante.

Intensifica la parte superior del cielo con un azul más profundo, consolidando el efecto de un día que termina.

En la zona central, sobre las montañas, aplica un amarillo intenso para representar el núcleo luminoso del sol.

Este fuerte contraste con el resto de la composición define claramente el punto de atracción visual principal, que será reforzado en los próximos pasos.

Añadir los colores del atardecer

Añade tonos anaranjados sobre el amarillo para esbozar el disco solar y sus primeras nubes. Los degradados sutiles entre estos colores aportan volumen y comienzan a crear la atmósfera cálida típica de un atardecer vibrante.

Con suaves tonos rosados, definimos las nubes cercanas al sol manteniendo transiciones delicadas.

Ahora estamos añadiendo tonos de violeta profundo para aportar más dramatismo y variedad tonal al conjunto de las nubes.

Las tonalidades frías contrastan con los colores cálidos de la zona central, aportando tridimensionalidad y reforzando el efecto de profundidad en el plano atmosférico.

Aplicamos tonos rojos vibrantes alrededor del sol, intensificando la sensación de calor y energía.

Trabajamos rápidamente para mezclar los colores antes de que se sequen, con el fin de obtener un acabado pictórico más natural y una armonía entre los naranjas, los amarillos y los rosas.

Estamos reforzando los contrastes al añadir matices de violeta más oscuro en áreas estratégicas para equilibrar la composición.

Esto acentúa la fuerza de los colores cálidos y aporta un dramatismo visual, simulando las rápidas variaciones de luz y sombra típicas de los atardeceres reales.

Aplica blanco puro en algunas zonas de las nubes para sugerir reflejos luminosos. Extiende ligeramente los amarillos y naranjas sobre el cielo para mezclarlos con los azules cercanos, unificando la atmósfera general.

Con un color oscuro, pinta la silueta de árboles en contraluz en el segundo plano. Estos elementos rompen la uniformidad de la escena e introducen una escala visual. Debajo, pinta el campo con un verde profundo para reforzar la jerarquía de los planos.

Pinta la zona inferior con tonos oscuros, luego añade verdes más claros en algunos lugares para simular vegetación iluminada.

Deje voluntariamente algunas áreas sin pintar para permitir que la luz reflejada del cielo refuerce el efecto de volumen.

Añade nuevas capas de verde claro y cálido para dar más textura y profundidad al terreno. Las transiciones controladas entre sombra y luz hacen que el campo sea más realista visualmente, mientras equilibran el contraste con el cielo vibrante.

Finalizar la pintura

Con naranjas rojizas, aplica reflejos suaves sobre los árboles y la vegetación, evocando la luz cálida del sol poniente. Este paso aporta una cohesión cromática entre todos los elementos del paisaje y unifica la composición.

Ajusta las luces y sombras del cielo para reforzar el dramatismo general. Aplica toques de ocre y naranja sobre el campo para sugerir vegetación iluminada. Retoca los detalles del sol y ajusta su intensidad en relación al resto de la escena.

Agregamos detalles minuciosos en las montañas, la llanura y las nubes. Utilizamos un pincel fino para resaltar las texturas y acentuar las áreas de luz o sombra.

Este nivel de precisión aporta más profundidad y dinamismo, permitiendo que cada elemento permanezca coherente con la iluminación general.

Estamos añadiendo los últimos detalles a los árboles, al campo y al cielo, integrando todos los elementos en una narrativa visual coherente y única. En la obra terminada, los tonos fríos de las montañas y del cielo contrastan armoniosamente con el calor vibrante del horizonte. La atmósfera captura el momento exacto en que la luz comienza a desvanecerse.

¡Aquí está, nuestra pintura ya está terminada! Espero que hayas disfrutado este tutorial.

Este ejercicio muestra cómo el acrílico permite crear una atmósfera intensa gracias a las capas, los degradados y los contrastes. La forma de manejar el agua, la elección de los pinceles y la progresión de los colores transforman una puesta de sol en una verdadera experiencia de luz y profundidad.

Escritor: Julio